come in un teatro

Una delle tre Marie, identificata con Maria Salomè, appoggia il proprio peso sulle cosce con le mani aperte ad artiglio, e la bocca si apre in un grido; così come la stessa Vergine (anch’essa a bocca aperta), che stringe le mani giunte inclinandosi sul corpo del figlio. Ma sono soprattutto le altre due Marie a lasciare interdetti per l’irruenza con cui si proiettano nella scena, tale che le vesti sbattono disordinatamente, come colpite da una raffica di vento; sì che il grido è diventato un urlo fortissimo. Esistono naturalmente dei precedenti iconografici per la scena del Compianto sul Cristo morto, ma né prima né dopo s’incontrerà una raffigurazione così esplicitamente tragica. Una Cronaca del 1494, quasi deducendo l’autore dalla sua opera, gli attribuiva una personalità che oggi chiameremmo disturbata: «Era fantasioso, barbaro di costumi, e tanto selvatico da tenersi lontani tutti quanti». Sintetizzando, potremmo affermare che l’eccesso di realismo ha condotto all’espressionismo.

Intenzione dell’autore non è tanto di intimidire e di stravolgere quanto di coinvolgere, chiamare alla compartecipazione. L’arte di Mazzoni rappresenta forse l’espressione più alta della scultura realistica italiana incentrata sulla quotidianità; tanto da avere provocato in passato clamorosi fraintendimenti da parte di molti studiosi, uno dei quali, e assai famoso (Erwin Panofsky), ne apparentava le opere alle cere di Madame Tussauds. è qui presente un equivoco che ha afflitto tradizionalmente la valutazione della scultura, privilegiando quella nei materiali “nobili” (marmo, bronzo) a discapito della plasticità in terracotta. Mazzoni è invece artista straordinario e grandissimo, fra i massimi nell’arte europea; e si confida che prima o poi questa consapevolezza si diffonda anche fra il pubblico più vasto, sulla scia della mostra che nel 2009 venne dedicata a Modena, loro patria, a lui e ad Antonio Begarelli. 

Quest’ultimo è assai diverso dall’espressionismo di Niccolò e dal realismo di Mazzoni, tipicamente quattrocenteschi. La sua arte è cinquecentesca, nobilmente classica; non per nulla le sue statue erano coperte da una coloritura bianca (quindi, non realistica), che le apparentava al marmo. I gesti delle sue figure, come li vediamo nei suoi capolavori modenesi - il Compianto di Sant’Agostino (1524- 1526), il Monumento funebre di Gian Galeazzo Boschetti di San Cesario sul Panaro (1525-1527), la Deposizione dalla croce di San Francesco (1527-1531) -, sono ampi e distesi, certamente drammatici ma elegantemente elaborati come nel teatro dell’Ariosto. Il suo è uno stile colto, assai più di quanto non appaia in un primo momento, nutrito del raffaellismo emiliano cinquecentesco: un’arte grande, che vira dalla quotidianità alla storia. È quasi certo che Begarelli abbia fatto un viaggio a Roma, anche se non se ne ha documentazione, e abbia conosciuto Venezia. Le sue figure e i suoi gruppi, con pochissime eccezioni (Londra, Victoria and Albert Museum; Berlino, Bode-Museum; Modena, Galleria estense) si trovano ancora nelle chiese per cui furono realizzati e richiedono dunque al visitatore la disponibilità a una presa di contatto itinerante, che si rivelerà del tutto appagante. Si apprezzerà fra l’altro l’abilità tecnica dell’artista nell’impiego della terracotta, che nel gruppo di San Francesco raggiunge ammirabili virtuosismi, sorprendenti in un materiale anelastico come la terracotta. Niccolò dell’Arca, Guido Mazzoni e Antonio Begarelli, ognuno nella propria personalissima scelta di stile, rappresentano un momento fra i maggiori nella storia dell’arte italiana ed europea, quello della terracotta emiliana rinascimentale.