INAFFERRABILE
PITTORE DELL'INTIMITà

Un po’ classico, un po’ moderno, in una sorta di “ambiguità”, sempre alla ricerca di un accordo magico tra forme e colori. Insieme conservatore e rivoluzionario, mentre dipinge l’intimità della sua vita borghese o i paesaggi della memoria. Quasi sempre rassicurante nella sublimazione della routine quotidiana, ma qualche volta malinconico e persino angosciante negli autoritratti. Bonnard l’inafferrabile, dalle “etichette” impossibili, mai attratto dalle avanguardie dei suoi tempi, fossero queste cubiste, surrealiste o astrattiste. «Non appartengo a nessuna scuola», diceva lui affermando la sua autonomia. Per anni è stato definito il «pittore della felicità », suggestivo, facile e piacevole come il mondo che descriveva. Ma guardandola da più lontano la sua opera mostra un dialogo tra passato e futuro e rivela aspetti che vanno oltre il sogno idilliaco di armonia tra uomo e natura e quel desiderio di gioia che certamente apparteneva al suo spirito ma che, nonostante i suoi tentativi di isolamento, doveva lottare e farsi spazio nella realtà e nella sua stessa vita privata. Da qui quelle contraddizioni che insieme alla forza e alla potenza evocatrice dei suoi colori hanno recentemente collocato l’artista francese - tanto disprezzato da Picasso - tra i fondatori dell’arte moderna e contemporanea. «Colui che canta non è sempre felice», annota lo stesso Bonnard il 17 gennaio del 1944, due anni dopo la morte della compagna Marthe, circondato dagli orrori della guerra.

I colori sono monotoni, l’immagine dolorosa, con una figura sulla sinistra seduta su una rovina, una mano appoggiata su un bastone e lo sguardo rassegnato, mentre sul lato opposto si riconosce un gruppo di militari. Il 14 luglio 1918, in cui il pittore stesso appare in mezzo alla folla caotica e festante, riflette invece le emozioni nel giorno del ricordo della presa della Bastiglia. «Queste due opere descrivono due aspetti dell’esperienza della prima guerra mondiale da parte di Bonnard, dalle desolate scene di battaglia ai fuggevoli momenti della celebrazione nazionale», commenta il curatore. «Ciò illustra la risposta ancora poco conosciuta del pittore agli avvenimenti di quegli anni e ce lo indica come un artista profondamente consapevole del mondo intorno a lui».
La mostra Pierre Bonnard. The Colour of Memory tralascia la fase giovanile dell’artista, quando a Parigi frequentava il gruppo dei Nabis, emozionandosi per le stampe giapponesi. Si concentra invece sul periodo compreso tra il 1912 e il 1947, anno della sua morte.  Il 1912 segna un confine nella vita di Bonnard, perché è allora che acquista una piccola casa a Vernonnet, in Normandia, con un grande balcone e vista sulla Senna. La chiamerà Ma Roulotte e rappresenterà il luogo in cui avrà inizio la sua amicizia con Monet, che abitava nella vicina Giverny. Ormai va sempre meno a Parigi e comincia piuttosto a scoprire il Sud della Francia, dove si trasferirà definitivamente nel 1926 dopo aver acquistato la villa Le Bosquet, sulle colline di Le Cannet, in Costa azzurra. Lontano dalle città, in piena campagna, il colore lo trascina e diventa la chiave delle sue composizioni, insieme alla passione per i giardini, che condivide con Monet, e a quella delle finestre aperte sul mondo, che invece ha in comune con Matisse. 

Donna fragile, afflitta da varie malattie, compresa la tubercolosi, si curava con una sorta di idroterapia che la portava a trascorrere in bagno una buona parte della sua giornata. Di carattere ombroso e geloso, Marthe finirà per isolare Bonnard dai suoi amici e dal mondo, costringendolo alla solitudine. Eppure resterà sempre la musa prediletta e alla sua morte, avvenuta nel 1942, l’artista trasformerà la sua stanza in un “mausoleo” di ricordi. Negli spazi della Tate Modern sulle rive del Tamigi, la ritroviamo ora, tra i molti altri dipinti, in Nudo in un interno e in Nudo nella vasca da bagno.
Marthe, però, non è stata la sola donna nella vita di Bonnard. Lui, dandy, nei suoi anni giovanili bello ed elegante, amava sedurre, così come amava le automobili. Nella Ciotola di latte, Renée Monchaty ci appare in piedi con i capelli lunghi e un abito rosa, mentre i raggi del sole entrano dalla finestra alle sue spalle. Bonnard l’aveva conosciuta poco prima di dipingere il quadro, nel 1918, ed era da subito diventata sua modella e amante. La ritroviamo ancora in Giovani donne in giardino dove, protagonista del quadro insieme alla tovaglia a righe dietro di lei, ci sorride radiosa, mentre il volto di Marthe è marginale, nell’angolo destro. La composizione del quadro, cominciata nel 1921, si interromperà per molto tempo. All’età di cinquantotto anni, infatti, Bonnard sposa Marthe: è il 13 agosto 1925 e quindici giorni dopo Renée si suicida. L’artista riuscirà a riprendere e terminare la tela solo nel 1945, dopo la morte di Marthe.
Niente di questo travaglio personale traspare mai, così come resta secondario nella sua opera tutto ciò che esula dai recinti dei suoi giardini. Pittore dell’intimo, Bonnard ci parla sempre della sua vita, ma in realtà non ce la racconta mai, lasciando le sue inquietudini a elementi nascosti, riservati ai “lettori” più attenti. Per tutti gli altri faceva incantesimi, anche quando apriva la porta della sua vita privata. Come ha scritto Maurice Denis, «Bonnard ha il dono delle fate che trasformano una zucca gialla in una carrozza dorata»