NERO, THE MOTHER COLOUR

La natura, lo sapeva, era parte della sua essenza fisica e spirituale di uomo e del suo essere artista. Per tutta la vita, trascorsa perlopiù all’estero, non cesserà mai di evocare l’eredità culturale dell’India. Alla sua natura dedicherà una narrazione poetica costantemente reinterpretata nel tempo. Nella sezione “Les Feux de Paris” sono esposte opere quali Église et Calvaire Breton e i diversi Sans Titre, in cui viene evidenziato come la sua iniziale ricerca volgesse verso il paesaggio e la campagna francese. Raza li ritrasse secondo una prospettiva effimera e vigorosa in una osservazione ripetuta che lo condurrà verso la più pura astrazione del soggetto. Nell’ambito di questa tipologia di ricerca ebbe al suo fianco un grande esperto in materia, l’amico e artista cinese, anch’egli espatriato, Zao Wou-Ki (1920-2013)⁽¹⁾. Nella prospettiva storiografico-artistica del periodo, entrambi sono considerati due delle figure centrali della Seconde École de Paris insieme ad altri espatriati illustri – quali Nicolas de Staël (1914-1955), Chu Teh-Chun (1920-2014), Hans Hartung (1904-1989), Fahrelnissa Zeid (1901-1991), Serge Poliakoff (1906-1969) – e agli amici indiani, il cineasta Jehangir (Jean) Bhownagary (1921-2004) e il pittore Krishna Reddy (1925-2018), che in quegli anni divideva la sua vita tra l’India e l’Europa.

Straordinariamente ben inserito nel milieu culturale del suo tempo, Raza non ci mise molto a raggiungere una certa fama. Nel 1956 ricevette il Prix de la Critique, mentre le sue tele cominciarono a entrare in importanti collezioni francesi e internazionali.

Nonostante il successo ottenuto a Parigi, Raza alla fine degli anni Cinquanta avvertì il richiamo della sua “terre natale”. Scelse di tornare in India per iniziare un viaggio libero, nomade, orientato allo studio del sanscrito, della poetica urdu⁽²⁾ e delle miniature della scuola pittorica Rajput, del XVI e XVII secolo. Seguì un altro viaggio, ugualmente emblematico, in California, dove fu invitato a insegnare all’Università di Berkeley. Il soggiorno americano gli offrì la possibilità di entrare in contatto con l’espressionismo astratto e con le pratiche di “master artists” quali Sam Francis, Hans Hofmann e Mark Rothko nel cui lavoro trovò le perfette assonanze di «un’ulteriore ricerca interiore e un nuovo modo di intendere la percezione dello spazio» (così riferiva), vissuti nella piena libertà artistica dell’America di quell’epoca. Gli anni Settanta per l’artista furono un periodo di profonde riflessioni. Raza avvertì la necessità di fare sintesi, mentre il passato tornava sempre di più nel presente.

Sono di questa fase i dipinti, in mostra al Centre Pompidou, Zamin (1971), Tapovan (1972) e la serie La Terre (cominciata dall’inizio degli anni Settanta), concepiti come un inno alla sensualità della natura del suo paese.

Zamin, Tapovan e La Terre sono tele perlopiù scure, stilisticamente determinate dalla predominanza del colore nero, per Raza “The Mother Colour”.

Nella realizzazione di questi dipinti, ciò che muoveva la sua mano di artista era il flusso di coscienza, nutrito da ricordi precisi e imprecisi. Pochi i colori, qualche sprazzo di rosso, verde, a volte bianco, che rimandava agli esigui fasci di luce che filtravano dal fitto fogliame degli alberi nella foresta. Null’altro.

L’ultima sezione dell’antologica S. H. Raza ha un titolo eloquente, “Formes Signifiantes”, in essa si raccolgono i dipinti che l’artista realizzò a partire dagli anni Ottanta. Fu allora che, dopo anni di viaggi e sperimentazioni, decise di intraprendere una nuova riflessione che lo condusse a una fase profondamente matura del suo lavoro. Abbandonate le libertà espressive dell’arte astratta, esplorò la forma, in particolare quella geometrica. Nacquero opere dai titoli emblematici – Ankuran, Germination, Bindu, Bija, Surya – in cui attraverso l’uso di parole sanscrite legate alla cultura alta indiana quali appunto “bindu” (punto, termine che rappresenta la fonte della creazione), “bija” (seme) e “garbhagriha” (l’ambiente più sacro di un tempio dov’è posta l’immagine della divinità), Raza aprì un dialogo profondo, estremamente personale con la storia dell’arte e, ancora una volta, con la natura intimamente legata all’essere umano, inteso nella forma più elevata della sua spiritualità.