CIÒ CHE GLI OCCHINON VEDONO

«Com’è bella la libertà! Com’è bella l’indipendenza! ». Kupka (1871-1957), il ribelle, l’artista senza etichette, è passato come una meteora nell’arte della prima metà del secolo scorso: solitario, intransigente, polemico, “puro” fino all’ultimo giorno della sua lunga vita. Non gli impressionisti, “rei” di imitare la natura, non i futuristi con il loro mito della modernità a tutti i costi, e nemmeno Picasso e i cubisti, visti come una banda di imbrattatori materialisti, riuscirono mai a scalfire le certezze del pittore ceco, trasferitosi a Parigi negli anni in cui la città era l’epicentro delle avanguardie che hanno scritto la storia dell’arte del XX secolo. L’idea di František Kupka resterà per sempre quella di dare forma ai moti dell’anima, rendendo visibile ciò che gli occhi non possono vedere. L’artista come un veggente, dunque, concentrato sulle immagini della sua vita interiore. Non è un caso che l’esoterismo e l’occultismo, in voga soprattutto a Praga e a Vienna, città che aveva frequentato fino all’età di venticinque anni e dove era diventato un rinomato medium, siano stati un forte stimolo alle sue ricerche artistiche. Ricerche che lo hanno portato a diventare uno dei pionieri dell’astrattismo, insieme a Kandinskij e a Mondrian, benché i tre artisti si trovassero a chilometri di distanza l’uno dall’altro. Ma l’individualismo di Kupka, la sua autoesclusione dai nuovi linguaggi culturali in voga a Parigi, il suo voler restare straniero e “déraciné”, forse anche l’isolamento a cui lo costringevano colleghi e critici d’arte incapaci di incasellarlo in uno qualsiasi dei movimenti dell’epoca, finirono per allontanarlo dalla scena, relegandolo a quel cenacolo di amici, artisti e studenti cechi, che si riunivano nel giardino della sua casa di Puteaux - villaggio operaio alle propaggini di Parigi - per discutere di filosofia e teosofia.

Una scelta ostinata di indipendenza da tutto e da tutti, un rigore morale quasi puritano, nella sua laicità, che ha pagato a caro prezzo. Oggi al posto di quel giardino e del suo atelier ci sono i grandi palazzi della Défense. Se non fosse stato per la generosità e la lungimiranza della moglie Eugénie che dopo la morte dell’artista ha donato centotrentanove dipinti e disegni al Centre Pompidou, facendone il custode della sua collezione più importante, Kupka sarebbe probabilmente rimasto sconosciuto al grande pubblico. Grazie a questa collezione e alla collaborazione del Musée d’art moderne de la Ville de Paris con la Národní Galerie di Praga e con l’Ateneum Art Museum di Helsinki, il Grand Palais della capitale francese dedica una grande retrospettiva a Kupka fino al 30 luglio.

L’astrazione per l’anarchico artista fu un traguardo raggiunto quando aveva quarant’anni. Morirà a ottantasei senza mai tornare indietro. Piani di colore, grande nudo è tra le opere di passaggio fondamentali prima di arrivare ad Amorpha. Fuga a due colori, opera coraggiosamente esposta per la prima volta al Salon d’Automne del 1912, ovviamente incompresa e relegata sulle scale dello spazio espositivo. Ancora una volta il rosso e il blu, un colore caldo e un colore freddo in contrapposizione, e un titolo, come molti altri, che si rifà a composizioni musicali, mentre le curve e i cerchi evocano le nozioni di tempo e movimento, quella ricerca della quarta dimensione che la scienza richiamava e che è stata una delle ansie di Kupka. Dopo la prima guerra mondiale altre suggestioni risvegliano l’interesse del pittore tornato a vivere a Parigi dopo aver combattuto nella Legione straniera per l’indipendenza del suo paese. È il tempo dell’industria, delle macchine e degli ingranaggi. È anche il tempo dei loro suoni, quelle articolazioni tradotte nelle sinfonie del jazz. Kupka li renderà visibili nei suoi dipinti, sempre fedele all’idea che le forme siano espressione dei movimenti dell’anima e i colori il loro mezzo di comunicazione, quello che per i poeti è la parola. Ancora astrazione, dunque, con Meccanismo e così pure con Jazz-Hot che nasce dai ritmi musicali delle band americane. Sorriso nero ne è l’esempio più esplicito. Ci racconta quasi in “black and white” di una delle prime esibizioni di Louis Armstrong a Parigi il 9 e il 10 novembre 1934, quando il jazzista entrò sul palcoscenico correndo e brandendo la sua tromba per fermarsi ridendo nel mezzo della scena. Quella stessa energia vitale animava anche Kupka. Scrive Brigitte Leal nel catalogo della mostra che ripercorre attentamente le varie sezioni dell’esposizione e le sue trecento opere: «Figurativi o astratti, i suoi dipinti sono sostenuti da uno stesso senso del colore e del ritmo e da una poeticità congenita, immanente». 

Kupka ne è consapevole perché crede nella creatività come consolazione ed elevazione dalla vita quotidiana. «Ieri come oggi», dirà spesso, «l’opera d’arte è una festa».