L’IMMAGINE COME MATERIA,
IL FILM COME SCULTURA,
IL TEMPO COME OGGETTO

Come indica il titolo, che tradotto letteralmente significa “limiti di consumo”, si tratta di un’opera tautologica, perché ci parla prima di tutto di sé. Rosa Barba dà voce al cinema, sia come oggetto quasi feticistico, sia come linguaggio e pratica, svelandone il funzionamento e anche la fragilità mediale. Questo aspetto è rafforzato dall’assenza di immagini filmiche: la pellicola è infatti priva di impressioni. Eppure l’immagine, per quanto bianca (il fascio di luce), è ugualmente presente e, in questo caso, in un certo senso aumentata dalle ombre delle sfere. Così come nelle sue altre installazioni scultoree, Rosa Barba mette in scena il cinema, compone una coreografia con i suoi stessi elementi primari e, nello stesso tempo, crea una serie di relazioni tra aspetti antitetici, ma qui complementari, come forma e contenuto, presenza e assenza, materialità e astrazione, pieno e vuoto, staticità e movimento, luce e ombra. Il proiettore cinematografico diventa allora quasi «un essere vivente»⁽¹⁾ che nel suo procedere ingloba lo spettatore. Invece di essere soltanto il destinatario delle immagini, lo spettatore si trasforma in un elemento tra gli elementi, specialmente nello spazio fisico, più che in quello metaforico o percettivo.

Il cinema è così scomposto in tutte le sue parti, dietro, davanti e dentro la macchina da proiezione e riabilitato come medium contemporaneo sotto forma di un “balletto meccanico”, per riprendere un’espressione cara sia a Fernand Léger e all’avanguardia cubista, sia ai critici che hanno commentato il lavoro dell’artista. Assume inoltre un carattere performativo, che si riferisce sia alla resa del medium, così come all’esperienza dello spettatore.

Rosa Barba ha scelto il film come dispositivo visivo del XX-XXI secolo, anche se con tutta l’incertezza postmoderna nei confronti dell’immagine foto/cinematografica come documento. Per questo il suo lavoro, scultoreo e filmico, si pone sempre al limite tra realtà e finzione, in quello spazio di confine o sutura dove si libera il pensiero. Questo spazio è ben rappresentato da quell’immagine bianca che per l’artista non è sinonimo di vuoto o assenza, ma piuttosto del suo contrario. Come lei stessa ha affermato, il bianco è un momento di «resettaggio»; l’immagine bianca è un intervallo di tempo e di spazio che segna un passaggio da un pensiero, un capitolo, un ritmo a un altro⁽²⁾.

Ecco allora che nel suo lavoro si definiscono, da un lato, la dimensione spaziale, come studio e allestimento scenico dei meccanismi della narrazione cinematografica; dall’altro la dimensione temporale, come possibilità di costruzione dell’identità e dell’attività umana. Ma il tempo per Rosa Barba ha anche una estensione fluida, sospesa tra passato (presente) e futuro; è un tempo immaginato che accoglie anacronismi. Per questo l’artista sente l’urgenza di registrare oggetti, persone, paesaggi sul punto di sparire dalla terra, dalla storia, dalla nostra vista, come in un grande archivio del tempo.