forme multipledella modernità

«Possiamo noi rimanere insensibili alla frenetica attività delle grandi capitali, alla psicologia nuovissima del nottambulismo, alle figure febbrili del viveur, della cocotte, dell’apache e dell’alcolizzato?» recitava il Manifesto dei pittori futuristi. E tra loro, a dirlo e farlo, c’era quel genio della modernità, Umberto Boccioni. Un artista che, come gli amici futuristi, cercava un’arte nuova e voleva imprimervi il fremito della vita delle grandi città, delle nuove scoperte scientifiche, della velocità, del dinamismo, della simultaneità delle visioni. Un artista vissuto pochissimo, solo trentaquattro anni, dal 1882 al 1916, ma che ha prodotto una quantità di opere, disegni, dipinti, sculture, di grande fascino e originalità. 

Un ricercatore appassionato, un innovatore, che ci avrebbe riservato ancora sorprese, se la morte non lo avesse colto improvvisamente, per una caduta da cavallo, a Sorte di Verona il 16 agosto 1916. Ora, a distanza di cento anni, Milano lo ricorda con una grande mostra a Palazzo reale, aperta dal 23 marzo al 10 luglio. Un risarcimento, perché, dopo la ricca rassegna organizzata da Marinetti a palazzo Cova di Milano nel 1916-1917 in seguito alla scomparsa, la fortuna espositiva di Boccioni sembra rallentarsi in Italia. Dopo alcune retrospettive negli anni Venti, l’importante mostra del 1947 a Milano a cura di Raffaele Carrieri, la romana curata da Giulio Carlo Argan nel 1953, la Biennale di Venezia del 1950, bisogna arrivare gli anni Ottanta/Novanta per imbatterci in esposizioni su alcuni aspetti dell’attività dell’artista e al 2006-2007 per Boccioni: pittore, scultore futurista al Palazzo reale di Milano, mentre negli Stati Uniti i riconoscimenti sono stati maggiori.

Un percorso intenso che la mostra testimonia, attraverso documenti e opere, in due grandi sezioni, la prima dedicata alla “formazione”, la seconda alla “pratica e teoria di Boccioni futurista”, cioè alle teorie espresse dall’artista in scritti programmatici e alla loro applicazione nel disegno, pittura e scultura. A condurre idealmente il visitatore è lo stesso artista presente con l’Autoritratto del Castello sforzesco e con i tre Diari, scritti tra il 1907 e il 1908, concessi in prestito straordinario dalla Getty Research Institute Library di Los Angeles. L’itinerario, cronologico-tematico, si apre con opere divisioniste di Balla come La fidanzata a villa Borghese collocata a fianco della Campagna romana o meriggio del 1903 di Boccioni, per sottolineare l’alunnato del secondo presso il primo. Prosegue incrociando artisti e movimenti con i quali l’artista ha avuto scambi o da cui è stato influenzato nell’ambito di una cultura complessa, che va da opere rinascimentali (copie da Raffaello, dipinti leonardeschi, xilografie di Dürer) al tardo Ottocento di Vincenzo Vela e Auguste Rodin sino al cubismo di Picasso. Non mancano testimonianze impressioniste ed espressioniste incontrate da Boccioni tra Venezia e Milano ed esempi di Segantini, Previati e Fornara, ammirati nel 1907 alla Biennale di Venezia e al Salon parigino des Peintres Divisionnistes Italiens. E poi i capolavori stessi dell’artista, molti citati nei Diari, come Veneriamo la madre del 1907-1908, Ritratto di Innocenzo Massimino, l’Autoritratto di Brera, il Romanzo di una cucitrice, tutti del 1908, Tre donne del 1909-1910. Opere che dal 1909 mettono alla ribalta anche la città con le sue periferie, le officine (Officine a Porta Romana, 1910), i condomini e le case in costruzione con i loro ponteggi in strade desertiche battute da qualche carro e cavallo, come nello sfondo dello splendido Autoritratto di Brera del 1908. La tecnica è ancora divisionista, una trama di vibrazioni e tessiture luminose, che stanno per trasformarsi in una «pittura degli stati d’animo» alla maniera di Previati. I contenuti sono quelli della vita moderna, delle piazze affollate, delle industrie, dei sentimenti e delle emozioni. 

Soggetti che troveranno una loro nuova interpretazione, insieme ad altri, nel futurismo con la sua forza di abbattimento del passato e la sua rivoluzionaria visione del mondo nel suo continuo divenire. Vediamo così Forze di una strada, Elasticità in cui l’artista rappresenta la sensazione del cavaliere che asseconda il ritmo del cavallo al trotto. Materia del 1912-1913, la “grande madre” che nell’animo del pittore assomma il significato della totalità cosmica e una proiezione della coscienza in una realtà in continua trasformazione, resa attraverso una complessa ricerca plastica e cromaticoluminosa. E ancora Antigrazioso, in pittura e scultura, che sintetizza la polemica futurista contro il bello tradizionale, gli oli su tela con immagini fortemente dinamiche Cavallo+case+cavaliere, Dinamismo di un ciclista e Forme uniche della continuità nello spazio, del 1913.