la pittura e il
furore

A memoria, questo evento in Palazzo vecchio è il “debutto” di Jackson Pollock (Cody, Wyoming, 28 gennaio 1912 - Long Island, 11 agosto 1956) nella città di Michelangelo; soprattutto è la prima volta che può essere dimostrato con prove inconfutabili l’interesse di Pollock per il Buonarroti, in un contesto storicamente segnato dall’estetica rinascimentale. Emerge pure una rilettura della critica ufficiale per quanto attiene a Pollock in rapporto agli antichi maestri da lui studiati e assimilati nella giovinezza, e una ridefinizione della storia dell’arte americana dopo gli anni Trenta, in relazione alla tradizione europea, e più in particolare alla Maniera italiana, quella stagione del Cinquecento che ha avuto in Buonarroti il suo faro e nella ricerca di belle forme antropomorfiche uno dei principali obiettivi artistici. Come ci ricorda Cristina Acidini nel suo saggio nel catalogo della mostra, a un possibile confronto Pollock- Michelangelo aveva accennato un intuitivo Eugenio Battisti, il quale, in una conferenza tenuta alla Pennsylvania State University nel 1975, si era spinto a dire che «il maestro più michelangiolesco di tutti, in questa seconda parte del secolo, è stato per ora Jackson Pollock […] impressionatissimo dall’energia e dalla violenza dell’anatomia michelangiolesca ». Energia e violenza del segno che ha condizionato la lettura critica dell’opera di Pollock, assurto ben presto a protagonista della pittura d’azione americana. 

Pare che il termine “Action Painting” sia stato coniato nel 1952 da Harold Rosenberg, personalità di spicco tra i critici e gli intellettuali a New York, per meglio definire gli esiti pittorici più veementi e furiosi all’interno dell’espressionismo astratto. Con “pittura d’azione”, Rosenberg intendeva descrivere un metodo di lavoro basato essenzialmente sul gesto del pittore quando fosse coinvolto fisicamente e psicologicamente nell’azione risolutiva del dipingere, come in una lotta, in un corpo a corpo con la tela, o in una danza frenetica. 

In cuor suo Rosenberg non pensava a Jackson Pollock quale principe della pittura d’azione. Sta di fatto, però, che in “Jack the Dripper” si è identificato l’eroe dell’Action Painting, il «dio dell’evento pittorico», simile in questo a «Dioniso che irrompe nel mondo delle forme e le sconvolge». In effetti, Pollock seppe andare ben oltre la critica dell’arte figurativa più tradizionale, quella per esempio messa in atto da Picasso e Braque con la decostruzione cubista della realtà visibile. Non perseguì la gradevolezza musicale degli espressionisti, l’ascetica padronanza del linguaggio dei pittori astratti, la logica filosofica dei suprematisti. Pollock preferì guardare al surrealismo, al mondo dell’inconscio. 

Il vero cambiamento arrivò verso il 1947, quando Jackson scelse un metodo di lavoro abbastanza inconsueto, anche se, in effetti, qualcosa del genere era stato già tentato da Max Ernst, che aveva dipinto Homme intrigué par le vol d’une mouche non euclidienne agitando una scatola di colori aperta al di sopra della tela. Pollock ingigantì quel tipo di operazione surrealista e si avventurò in un territorio di sperimentazione che non avrebbe permesso deviazioni e inversioni. Con gesti apparentemente improvvisati e frenetiche circumnavigazioni della tela si mise a spargere colore dall’alto in basso, trasformando la creazione pittorica in un singolo atto irripetibile, anzi in una somma perfetta di azioni convulse eseguite per esprimere l’uomo moderno e la sua vita interiore. Godeva e soffriva a dipingere la tela direttamente appoggiata sul pavimento. In tante foto lo vediamo eseguire le sue partiture con una serie di gesti intensi, impetuosi, con ferine movenze, come in trance.

Lo studio dell’opera michelangiolesca dev’essere maturato in Pollock nel periodo in cui frequentò la scuola d’arte

Una tensione intellettuale e spirituale tradotta all’epoca con “furia della figura”, quella torsione fisica dei corpi quando l’anima celeste vuole liberarsi dal peso della materia informe. Qualcosa di simile si legge nelle dichiarazioni di Pollock. Nell’artista americano l’energia creativa trova però una via di fuga nel dripping; dal conflitto inconscio nascono immagini di pura armonia in cui il contorno figurativo e la riconoscibilità antropomorfa non hanno più ragion d’essere. 

L’espressionismo astratto o informe di Pollock, pietra miliare del Novecento in arte, viene così, idealmente, confrontato con il “non finito” di Michelangelo. 

Lo studio dell’opera michelangiolesca dev’essere maturato in Pollock nel periodo in cui frequentò la scuola d’arte dove tra il 1930 e il 1932 insegnò Thomas Hart Benton, uno dei protagonisti della pittura regionalista americana della prima metà del Novecento. Da Benton, grande ammiratore dell’arte del Buonarroti, il giovane Pollock apprese a lavorare sui pieni e sui vuoti, sui flussi di energia psicofisica, sui ritmi essenziali della composizione pittorica rinascimentale e barocca. Ebbe modo di ammirare l’eroismo espressivo dei nudi di Michelangelo, per scartare forme di arte più languide, un tipo di bellezza per lui troppo aggraziata. Ne sono testimonianza superba una serie di disegni conservati al Metropolitan Museum, sei dei quali generosamente prestati in occasione della mostra fiorentina. 

L’interesse per la potenza espressiva delle anatomie michelangiolesche - come quelle degli Ignudi sulla volta sistina -, e quello per la composizione di gruppi e masse come nel Giudizio, si rafforzò in Pollock attraverso lo studio di foto, per esempio quelle di Alinari, e poi a seguito della diretta conoscenza delle opere dei muralisti messicani (Siqueiros, Orozco), profondamente pervasi da ideali sociali, e suggestionati dalle composizioni del Buonarroti, di cui ammiravano, in particolare, le grandi pitture parietali. In un testo del 1981, sfuggito ai più, Morton Feldman, musicista tra i grandissimi del Novecento, autore della colonna sonora di un film (1951 circa) di Hans Namuth, conferma il profondo interesse dell’artista americano per l’arte del Buonarroti: «Via via che conoscevo meglio Pollock (grazie soprattutto a certe conversazioni in cui lui stesso faceva dei collegamenti tra il proprio lavoro e i disegni di Michelangelo o i disegni rituali con la sabbia degli indiani d’America), cominciai a cogliere altre associazioni che avrei potuto esplorare nella musica». A questo dovremmo aggiungere il fatto che il giovane Pollock immaginasse per sé una carriera da scultore, come dimostra una lettera inviata ai familiari in cui manifesta tutto il suo impeto creativo. Una furia di scultore che condizionerà anche la sua Action Painting. Nuove ipotesi di lettura, che la mostra in Palazzo vecchio ha inteso avviare.