L’ARTISTA
ALLO SPECCHIO

Egli ha deliberatamente rotto la tradizionale funzione del genere ignorando l’identità o l’ambiente sociale dei suoi soggetti», scrivono i due curatori nel catalogo. «Spesso i suoi ritratti sono più un riflesso di se stesso e del suo personale rapporto psicologico con i modelli che una rappresentazione dei modelli stessi. Piuttosto che fare ritratti seguendo le convenzioni stabilite dalla storia dell’arte, Gauguin ha cercato di introdurre contenuti simbolici che portassero l’immagine verso nuovi livelli di significato».

Gauguin enfatizza modelli e colori a piatto, forme naturali stilizzate e l’espressione dei sentimenti

Le difficili relazioni di Gauguin con gli altri artisti vengono esplorate invece nella terza sala, con particolare riferimento a due amici chiave che rimasero tra i suoi soggetti preferiti per il resto della vita: Vincent van Gogh e Meijer de Haan. La quarta sala invece è un diario del primo viaggio tahitiano compiuto tra il 1891 e il 1893 e dimostra come il pittore cercasse una via di fuga dalla civiltà a lui contemporanea, mantenendo però sempre un occhio rivolto alla Francia. Questa sala raccoglie anche i suoi continui esperimenti su diversi materiali, dove risultano chiari i riferimenti all’arte indigena tahitiana in opere come Tehura (Teha’amana), in legno (1891-1893, Parigi, Musée d’Orsay), e Arii Matamoe (La morte del re) (1892, Los Angeles, J. Paul Getty Museum).
Proseguendo nella mostra e nella vita di Gauguin, si torna a Parigi, in Bretagna e poi ancora a Tahiti (1893- 1895). In un ritratto realizzato in Bretagna, Giovane ragazza cristiana (1894, Williamstown, Massachusetts, Clark Art Institute) viene mostrata una giovane bretone in preghiera con indosso un abito missionario tahitiano, mentre nell’Autoritratto (1893-1894, Parigi, Musée d’Orsay), sullo sfondo appare appeso il dipinto Lo spirito dei morti veglia.
Nella sesta sala è raccolta una selezione di ritratti in cui sono raffigurati oggetti simbolici, spesso disposti in nature morte, a rappresentare i soggetti assenti, come Natura morta con La speranza (1901, collezione privata). Infine, l’ultima sala della mostra è dedicata ai ritratti realizzati negli ultimi anni tra cui risaltano Père Paillard (1902, Washington, National Gallery of Art), vescovo in Polinesia qui rappresentato come un diavolo lascivo, e il suo ultimo Autoritratto (1903, Basilea, Kunstmuseum Basel), a conclusione del percoso espositivo, forse il più semplice e diretto di tutti, probabilmente realizzato poco prima della fine della sua vita, a cinquantacinque anni.
Scegliendo di allontanarsi decisamente dall’impressionismo (tanto da deridere Van Gogh per la sua scelta di dipingere all’aria aperta), Paul Gauguin diventa uno dei più importanti pittori modernisti impegnati nel nuovo movimento artistico del sintetismo, che enfatizza modelli e colori a piatto, forme naturali stilizzate e l’espressione dei sentimenti dell’artista riguardo al soggetto. Le sue sperimentazioni e interpretazioni artistiche, così come il suo uso del colore, sempre così intenso, e il suo interesse per culture remote, lontane dall’Occidente, avranno un’influenza decisiva sugli artisti attivi tra la fine del XIX e il XX secolo, tra i quali Matisse e Picasso. E come ha sottolineato Riopelle: «Gauguin comprese quanto l’arte moderna fosse espressione profonda della personalità individuale, idiosincratica, e si rese conto che il ritratto doveva servire da portale per mondi interiori ricchi e contraddittori. Che abbia trovato il vocabolario stilistico per evocare questa complessità è il marchio del suo genio».