UN CAMMINO
TORTUOSO

I dipinti del primo quinquennio si concentrano in una oscurità percorsa da barbagli di luce, divenuta luminosità essa stessa, un’energia creativa insolita, tumultuante. Insieme c’è la gratificazione nei confronti di un mondo che rimane immobile rispetto ai cambiamenti già in atto nella società. I suoi contadini che zappano la terra, i seminatori, i boscaioli, i tessitori, i costruttori di piccole capanne dal tetto di paglia, le donne che cullano bambini, cuciono, seminano frumento e raccolgono patate, trasportano il carbone per i minatori, si sottopongono a lavori pesanti, compongono un microcosmo analizzato con dolcezza, consapevolezza della ferocia del vivere. A questo mondo suscitatore di una tensione costante si sostituisce, una volta che l’artista abbandona la sua regione e si reca a Parigi, la scoperta progressiva della bellezza del colore, che incanta e seduce. I due anni parigini mettono Van Gogh a confronto con le direzioni innovatrici della cultura più avanzata: la scomposizione del colore, gli accostamenti di cromie pure, una tecnica che necessita anche di un approccio diverso, mentale, arricchisce la sua esperienza, apre a nuovi risultati. 

Così si compie il tortuoso cammino di un vivere sorvegliato e accudito, che diverrà la regola dell’ultimo periodo; alle crisi che lo assalgono si contrappone il ritorno a una fecondità creativa sempre sorprendente, a un modo sempre più originale di penetrare il rapporto con ciò che lo circonda. Mutano decisamente le ampie distese dorate, l’azzurro dei cieli, le turbolenze della natura, la capacità di indagare il paesaggio, ora limpido e vitale ora percorso da fremiti. Turbamento e angoscia si introducono in un rapporto talvolta abbagliante con il mondo. C’è anche la gentile sapienza di raccontare le vicende del filo d’erba, della foglia, del fiore, di una natura che è sempre in grado di dominare lo stato di ansia, di avvertirne l’arrivo, di consumarne il disastro, di ritornare a una composta intesa con il reale. Tutto si svolge nell’ambito di un dramma personale, vissuto consapevolmente e spesso domato, anche se la quota di dolore diviene sempre più vasta e si intravede la necessità di una fine. Tutto si legge per esempio nell’amore del pittore per la complessità erbosa del prato, del giardino dell’ospedale (la struttura psichiatrica di Saint-Rémyde- Provence dove Vincent fu internato da maggio 1889 a maggio 1890) dove si alternano verde chiaro e verde scuro, a creare un’ombra che è anche l’ombra della psiche. La profondità di una forra aperta verso l’abisso è immagine di un abbraccio che si intuisce infine inevitabile. I pini, i cipressi, si ergono verso il cielo ma anche la profondità ha un suo fascino. Piccole figure minutamente delineate, quasi invisibili, raccontano la penetrazione di un mondo che può essere sublimato ma con il quale Vincent vuole mantenere un contatto reale, mai dotato di potere simbolico, perché sente di essere un pittore legato alla terra, alle stagioni.