Per capire a fondo questa operazione, è importante mettere a fuoco la figura di Mirella Bentivoglio, poetessa e artista verbo-visiva eclettica, nata nel 1922 a Klagenfurt (Austria) da genitori italiani, studi in Svizzera e in Inghilterra, che vivrà a Roma fino al 2017, anno della sua morte.
Le sue sperimentazioni nascono dalla pratica della “poesia concreta”, della “poesia visiva” e della “scrittura visuale”. Non smetterà mai di creare libri oggetto e dagli anni Settanta in poi esplorerà la performance, la poesia-azione e creerà ambienti poetici per poi allestire grandi strutture simboliche di matrice linguistica sul suolo pubblico.
La poesia concreta viene definita tale perché sposta l’attenzione dal significato del testo e dal suo contenuto ai suoi elementi costitutivi, ovvero parole, sillabe, fonemi e le stesse lettere dell’alfabeto, di cui si esalta la dimensione tipografica, valorizzata a livello grafico tramite la disposizione sul foglio e su materiali anche molto diversi dalla carta. Gli elementi basilari della scrittura arrivano così in primo piano, scomposti e ricomposti sia a livello visivo che sonoro. Non solo la parola scritta, ma anche la parola pronunciata subisce lo stesso processo di smontaggio. La poesia concreta include la poesia visiva, fatta di immagini e parole, la poesia sonora, che sperimenta con suono e voce, e la poesia performativa, dove il poeta in scena modula voce e gesto. Questo è stato il campo d’interesse di Mirella Bentivoglio, che ha lavorato non solo come artista ma anche come curatrice di mostre dedicate all’arte femminile, ancora molto trascurata.
Dal 1969 in poi, Bentivoglio inizia un censimento annuale di artiste che si occupano di poesia concreta e crea una rete che si allarga sempre di più a livello internazionale, dall’Europa agli Stati Uniti, dal Sudamerica fino alla Russia.
Quando Ripa di Meana le chiede di curare una mostra al femminile per la 38. Biennale di Venezia, grazie ai suoi contatti lei darà vita a un “unicum” emblematico del lavoro delle artiste di quegli anni, intenzionate a rivendicare un loro ben definito spazio creativo “al femminile” nella seconda metà del Novecento.
Ed eccoci a Bolzano.
Ispirato alle opere stesse, l’allestimento di Matilde Cassani si basa su tre colori: bianco, rosso e blu e parte dall’alfabeto come grado zero del linguaggio, e dal rapporto opera/documento, mostra/libro, muro/vetrina, invitandoci a continuare a reinventare il linguaggio che ci è stato imposto, per poterci riappropriare del modo più autentico e personale in cui desideriamo esprimerci e comunicare.
L’allestimento accoglie le opere dentro a grandi vetrine orizzontali, che seguono il perimetro quadrato della stanza e lasciano libero lo spazio al centro per le performance, per le proiezioni su due grandi schermi che scendono dal soffitto come un limbo fotografico e per un sofà rosso e accogliente dove è possibile sedersi, leggere e studiare i libri dell’epoca messi a diposizione.
Questa è una mostra dove passare con calma del tempo a soffermarsi sulle opere esposte e a seguire le trame, frutto di pratiche individuali e collettive, che legano materiali e linguaggio come nei lavori di Elisabetta Gut, corpo e linguaggio come nelle opere di Maria Lai, femminismo e linguaggio come nelle opere di Mirella Bentivoglio o annullamento di tempo e linguaggio come nelle opere di Irma Blank.